Madona dos Rochedos

Nome da Obra: Madona dos Rochedos
Autor: Leonardo da Vinci

Data de Realização: 1483-1486
Técnica utilizada: óleo sobre madeira

Dimensões: 199 × 122 cm
Localização: Museu do Louvre. Paris.

Estilo: Renascimento
Descrição:
A encomenda original para que Leonardo da Vinci pintasse “A Madona dos Rochedos” veio de uma organização conhecida como a Confraria da Imaculada Conceição, que precisava de uma tela para ser a peça central de um tríptico num altar da Igreja de São Francisco, em Milão. As freiras deram dimensões específicas a Leonardo, e o tema desejado para a pintura - Virgem Maria, São João Batista ainda bebé, Uriel e o Menino Jesus, abrigados numa caverna. Embora Leonardo da Vinci fizesse o que lhe mandaram, o grupo reagiu com horror quando ele entregou a pintura, pois este havia enchido o quadro de detalhes perturbadores.
A tela mostra a Virgem Maria de túnica azul, sentada com o braço em torno de um bebé, João Baptista. Diante dela encontra-se sentado Uriel, também com um menino, Jesus. O mais estranho é ver Jesus abaixo de João Baptista. Mesmo que Jesus esteja abençoando-o o sentido da obra é dizer que João está acima de Jesus na hierarquia celeste.
As características renascentistas que esta obra apresenta são a composição em pirâmide, o naturalismo, a proporção, e o estudo cuidadoso da anatomia do corpo humano.

Vénus olhando-se ao espelho

Nome da Obra: Vénus olhando-se ao espelho

Autor: Diego Velázquez
Data de Realização: 1483

Técnica utilizada: óleo sobre tela
Dimensões: 122 × 177 cm

Localização: National Gallery. Londres.
Estilo: Barroco

Descrição:

Esta obra representa uma mulher de costas, deitada, admirando o seu próprio rosto num espelho que se encontra nas mãos de um Cupido.
Sabe-se onde foi pintado, em Itália, mas nunca se descobriu a identidade da mulher no quadro.
Há duas hipóteses - ou se trata de uma pintora italiana que serviu de modelo a Velázquez na segunda vez que este passou por Roma, Lavinia Triunfi, ou da amante do pintor naquela cidade, de quem teve um filho.
O facto de o rosto da mulher, no espelho, não ter grande definição, só serve para aumentar o enigma. Trata-se ainda do único nu da autoria do pintor que terá sobrevivido até hoje, e do primeiro nu de toda a história da pintura espanhola.

Natureza Morta com Absinto

Nome da Obra: Natureza Morta com Absinto
Autor: Vincent van Gogh
Data de Realização: 1887
Técnica utilizada: óleo sobre tela

Dimensões: 46,5 × 33 cm
Localização: Museu van Gogh. Amesterdão

Estilo: Pós-Modernismo
Descrição:
A tela retrata uma cena comum da Belle Époque num café parisiense: uma taça com absinto, bebida mítica no final do século XIX, e uma garrafa de água que muitas vezes acompanhava a bebida.
Neste quadro a cor esverdeada da bebida é ressaltada pelo fundo escuro da madeira na parede de fachada do café. Nesta natureza morta, van Gogh adiciona um pouco do exterior do café, onde se nota algumas pessoas caminhando na rua. Este acréscimo de um fundo quotidiano faz com que o observador da tela se sinta como sentado à mesa na posição do pintor.

A Metamorfose de Narciso

Nome da Obra: A Metamorfose de Narciso
Autor: Salvador Dalí
Data de Realização: 1937
Técnica utilizada: Óleo sobre tela

Dimensões: 50,8 × 78,3 cm

Estilo: Surrealismo
Descrição:
No mito grego, Narciso era um jovem incomparavelmente belo que viu sua imagem refletida em uma fonte e se apaixonou por ela. Segundo uma das versões, incapaz de satisfazer seus desejos ele inclinou-se para a frente até abraçar a imagem, caiu de cabeça dentro d'água e afogou-se. Depois os deuses o transformaram em flor. Dalí mostra Narciso sentado a beira de um lago, olhando para baixo, enquanto, próximo, está uma figura de pedra se decompondo que se parece bastante com ele, mas que é percebida de uma outra forma bem diferente - como a mão que segura um bolbo ou ovo, de onde brota um narciso.

Homem Vitruviano

Nome da Obra: Homem Vitruviano

Autor: Leonardo da Vinci

Data de Realização: 1490

Técnica utilizada: Lápis e tinta sobre papel
Dimensões: 34 × 24 cm

Localização: Gallerie dell'Accademia. Veneza.
Estilo: Renascimento

Descrição:

O “Homem Vitruviano” descreve uma figura masculina desnuda separadamente e simultaneamente em duas posições sobrepostas com os braços inscritos num círculo e num quadrado. A cabeça é calculada como sendo um oitavo da altura total. Às vezes, o desenho e o texto são chamados de Cânone das Proporções.
Examinando o desenho, pode ser notado que a combinação das posições dos braços e pernas formam quatro posturas diferentes. As posições com os braços em cruz e os pés são inscritas juntas no quadrado. Por outro lado, a posição superior dos braços e das pernas é inscrita no círculo. Isto ilustra o princípio que na mudança entre as duas posições, o centro aparente da figura parece se mover, mas de facto o umbigo da figura, que é o verdadeiro centro de gravidade, permanece imóvel.
O Homem Vitruviano é baseado numa famosa passagem do arquitecto/arquiteto romano Marcus Vitruvius Pollio na sua série de dez livros intitulados de De Architectura, um tratado de arquitetura em que, no terceiro livro, ele descreve as proporções do corpo humano.
Vitrúvio já havia tentado encaixar as proporções do corpo humano dentro da figura de um quadrado e um círculo, mas suas tentativas ficaram imperfeitas. Foi apenas com Leonardo que o encaixe saiu correctamente perfeito dentro dos padrões matemáticos esperados.

A Ceia em Emmaus

Nome da Obra: A Ceia em Emmaus
Autor: Caravaggio
Data de Realização: cerca de 1596
Técnica utilizada: Pintura a óleo
Localização: Galeria Nacional de Londres.Estilo: Barroco
Descrição:
A Ceia em Emmaus é uma das principais pinturas a óleo do artista barroco italiano Caravaggio.
A pintura é também o expoente da técnica por Caravaggio concebida, o tenebrismo, que consiste na aplicação de um fundo escuro, muitas vezes completamente negro, e incidência de focos de luz sobre os detalhes, normalmente nos rostos.
A cena desenrola-se numa modesta casa em Emmaus, onde se encontram os peregrinos. Reflecte o instante no qual Jesus abençoa a refeição, revelando-se aos seus interlocutores e que retribuem com expressões de espanto ou choque. Embora conste no centro da acção e seja alvo da atenção e espanto dos três pescadores, Jesus não surge aparentando ser uma divindade, mas sim um conselheiro, como exemplo.

A Morte da Virgem

Nome da Obra: A Morte da Virgem

Autor: El Greco

Data de Realização: antes de 1567

Técnica utilizada: Painel em têmpera e ouro

Dimensões: 61,4 × 45 cm

Localização: Catedral da Sagrada Morte da Virgem, Hermópolis, Syros.
Estilo: Renascimento

Descrição:

A Morte da Virgem, de El Greco, foi provavelmente criado perto do fim do período cretense do artista (antes de 1567). A assinatura de El Greco, na base do candelabro central, foi descoberta em 1983. A descoberta desta obra pertencente ao mestre levou à atribuição de três outras obras assinadas de "Doménicos" para El Greco (Modena Triptych,St. Luke Painting the Virgin and Child e The Adoration of the Magi) e depois à aceitação de mais obras, como autênticas, ou não (tais como The Passion of Christ e Pietà with Angels, pintada em 1566).
Esta descoberta foi um importante avanço para o entendimento sobre os anteriores trabalho e carreira de El Greco. O quadro combina os estilos pós-bizantino e maneirismo italiano. El Greco é agora visto como um artista com formação em Creta; posteriormente pintou em Veneza e em Roma.
O ícone, que retém a sua função como objecto de culto na Igreja da Morte da Virgem, em Syros, provavelmente foi trazida para a ilha durante a Guerra da Independência Grega.

Nascimento de Vénus

Nome da Obra: O Nascimento de Vénus
Autor: Sandro Botticelli
Data de Realização: 1483
Técnica utilizada: Têmpera sobre tela
Dimensões: 172,5 × 278,5 cm
Localização: Galleria degli Uffizi. Florença.
Estilo: Renascimento
Descrição:
A pintura representa a deusa Vénus emergindo do mar como uma mulher adulta, conforme descrito na mitologia grega.
É provável que a obra tenha sido feita por volta de 1483, sob encomenda para Lorenzo di Pierfrancesco, que a teria pedido para enfeitar sua residência, a Villa Medicea di Castello.
Na concepção da obra parecem haver influências de obras como a "Metamorfose" e "Fasti", ambas de Ovídio, e "Versos", de Poliziano.
No quadro, a deusa clássica Vénus emerge das águas em uma concha, sendo empurrada para a margem pelos Ventos D'oeste, símbolos das paixões espirituais, e recebendo, de uma Hora (as Horas eram as deusas das estações), uma manto bordado de flores. Alguns especialistas argumentam que a deusa nua não representaria a paixão terrena, carnal, e sim a paixão espiritual. Apresenta-se de forma similar a antigas estátuas de mármore (cujo candor teria inspirado o escultor do século XVIII Antonio Canova), esguia e com longos membros e traços harmoniosos.
O efeito causado pelo quadro, no entanto, foi um de paganismo, já que foi pintado em época em que a maioria da produção artística se atinha a temas católicos. Por isso, chega a ser surpreendente que o quadro tenha escapado das fogueiras de Savonarola, que consumiram outras tantas obras de Botticelli que teriam "influências pagãs".
A anatomia da Vénus, assim como vários outros detalhes menores, não revela o estrito realismo clássico de Leonardo da Vinci ou Rafael. O pescoço é irrealisticamente longo e o ombro esquerdo posiciona-se em ângulo anatomicamente improvável. Não se sabe se tais detalhes constituiram erros artísticos ou licença artística, mas não chegam a atrapalhar a beleza da obra, e alguns chegam a sugerir que seriam presságios do vindouro Maneirismo.

Mulheres de Taiti na Praia

Nome da Obra: Mulheres de Taiti na Praia

Autor: Paul Gauguin
Data de Realização: 1891
Técnica utilizada: Óleo sobre tela
Dimensões: 69 x 91 cm
Localização: Museu do Orsay. Paris.
Estilo: Modernismo (Fauvismo)
Descrição:
Durante esta época o artista pintava muitos elementos da natureza. Mesmo não muito aparente, colocou uma flor no cabelo de uma das mulheres, como quem queria demonstrar que estava fazendo algo diferente, porém não havia abandonado o seu estilo.

O Grande Masturbador

Nome da Obra: O Grande Masturbador
Autor: Salvador Dalí
Data de Realização: 1929
Estilo: Surrealismo
Descrição:
Testemunho do primeiro encontro com Gala e do estado em que ela deixou dalí, ou seja, entre o " mole " e o " duro ".
A determinada altura, Dalí experimenta a necessidade de traduzir o seu violento desejo de criação de objectos carregados de símbolos sexuais contemporâneos.Salvador Dalí acaba de ultrapassar os vinte anos e, no entanto, a maturidade das suas obras torna-se evidente.

Apesar do escândalo suscitado, os críticos catalães mostram-se calorosos e esperam ver em breve o seu novo pintor-vedeta ao ataque ao grande vizinho, a França.

O grupo surrealista, atraído pela extravagante personalidade do Catalão, bem como pelo carácter violento das suas alusões sexuais e escatológicas, toma consciência da sua existência.

Dá-se o acontecimento mais importante que vai transformar a sua existência: a chegada de um grupo surrealista que vem " investigar" in loco e que engloba René Magritte e sua mulher, guiados por Paul Eluard...e sua mulher Gala, que se tornaria mais tarde sua amante, esposa e musa inspiradora.

Mas é o surgimento de Gala que é para ele a revelação esperada.Dalí até então não conhecera senão experiências limitadas com mulheres, muito aquém dos fantasmas do seu espírito de que a sua obra beneficiará generosamente. Insistirá sempre que era virgem, quando conheceu Gala.

A este encontro histórico preside a maior loucura.Primeiro Dalí fica num estado de exaltação constante que sempre que quer falar a Gala é assaltada por um riso louco. Quando ela o deixa, mal ela volta costas, contorce-se no chão a rir...

A Criação do Homem

Nome da Obra: A Criação do Homem

Autor: Miguel Ângelo

Data de Realização: 1511

Técnica utilizada: Pintura a fresco

Dimensões: 280 x 570 cm

Localização: Capela Sistina (tecto). Vaticano (Roma).

Estilo: Renascimento

Descrição:
Deus é representado como um ancião barbudo envolto num manto que divide com alguns anjos. O seu braço esquerdo esta abraçado a uma figura feminina, normalmente interpretada como Eva – que ainda não foi criada e, figuradamente, espera no céu para ganhar uma forma humana. O braço direito de Deus está esticado para criar o poder da vida de seu próprio dedo para Adão, o qual esta com o braço esquerdo estendido em contraposição ao do criador. Os dedos de Adão e de Deus estão separados por uma pequena distância.
A composição é obviamente artística e não literal, já que Adão é capaz de alcançar Deus mesmo antes de ter ganhado vida. Pela mesma razão, Eva é vista representada antes de sua própria criação. Esse motivo levou algumas pessoas a acreditar que a figura feminina fosse a primeira esposa mística de Adão, Lilith. Entretanto, essa interpretação não faz o menor sentido por Lilith também ter sido criada depois de Adão.
As posições de Deus e Adão, a pintura do braço direito de Deus e esquerdo de Adão são quase idênticas e representam o facto de que, como diz Génesis 1:27, Deus criou o homem a sua imagem e semelhança.

Casa Calvet

Nome da Obra: Casa Calvet
Autor: Antoni Gaudí

Data de Realização: 1898-1900

Localização: Rua de Casp, número 48. Barcelona

Estilo: Barroco

Descrição:
Muitos dos especialistas na obra de Gaudí consideram a Casa Calvet como a obra mais conservadora do arquitecto. Segundo eles, a explicação está em que, por um lado, Gaudí teve de encaixar o edifício entre outros mais velhos já existentes e, por outro, levar em conta o facto de estar situado num bairro elegante.
Efectivamente, a simetria, o equilíbrio e a ordem que caracteriza a Casa Calvet não são habituais na obra de Gaudí. Ainda assim, existem elementos modernistas como, por exemplo, as duas seções de fachadas terminadas em curvas na coberta, a varanda envidraçada que sobressai acima da entrada ou a forma das demais varandas. As colunas que flanqueiam a entrada recordam a bobinas de fio, e constituem uma alusão ao negócio têxtil de Calvet.
A fachada é de pedra de cantaria de Montjuïc, enfeitada com varandas de ferro forjado e terminada por umas estruturas trilobuladas, três invertidas e duas sobressalentes, coroadas com cruzes de ferro de forja. As três invertidas apresentam bustos de São Pedro Mártir e dos oragos da povoação natal de Calvet (São Gens de Vilassar): São Gens de Arles e São Gens de Roma; sobre estes se encontram as varandas, em forma de palmeira, símbolo do martírio.
Destaca-se assim mesmo na fachada a tribuna do piso principal, decorada com a inicial do sobrenome do proprietário, um ramo de oliveira -símbolo da paz-, um cipreste -símbolo de hospitalidade- e o escudo da Catalunha; remata-se com uma cúpula esculpida com duas cornucópias de Amalteia, da qual se espalham as frutas, e sobre as que se pousam duas rolas. A varanda de ferro da tribuna apresenta decoração em forma de cogumelos (clathrus cancellatus, morchela hibrida e craterellus cornucopioides), homenagem à afeição do senhor Calvet pela micologia.
Na porta de entrada destaca-se a aldraba, de ferro forjado, com a forma de cruz grega que golpeia contra um percevejo, símbolo da fé esmagando o pecado. Foi forjado por Joan Oñós, forjador que colaborou habitualmente com Gaudí. O átrio de recepção é de abóbada catalã, com colunas salomónicas de granito e arcos com relevos de gesso com a forma de videira, bem como a inscrição "Fé, pátria, amor", lema dos Jogos Florais.

O Sono

Nome da Obra: O Sono
Autor: Gustave Courbet
Data de Realização: 1866
Técnica utilizada: Óleo sobre tela
Dimensões: 135 x 200 cm
Localização: Museu do Petit Palais. Paris.
Estilo: Impressionismo
Descrição:

Esta pintura, tal como toda a obra deste pintor, expressa um certo protesto social e política. Trata-se de uma pintura ideológica, e o artista convence-se de que a sua força residia na própria pintura e não no tema desta.

Swallows The Poisoned Apple

Nome da Obra: Swallows The Poisoned Apple
Autor: Paula Rego
Data de Realização: 1995
Técnica utilizada: Pastel sobre papel, montado em alumínio
Dimensões: 170 x 150 cm
Localização: Galeria Saatchi. Londres.
Descrição:
Em Swallows The Poisoned Apple, Paula Rego revê o conto da Branca de Neve falível para expor o valor da juventude. Vestidas com traje tradicional Disney, Branca de Neve não é esta bela princesa, mas uma mulher de meia-idade. Imaginado momentos depois dela comer maçã envenenada, estão objectos mobiliários derrubados, sugerindo dolorosa e violenta destruição. Agarrando as suas saias, ela faz alusão à sua natureza sexual. O seu corpo jaz entre um cobertor enfeitado com flores na Primavera, e de um sinistro cenário de vermelho e preto.
Rego ilustra o conflito psicológico da realidade que é invadida nos mitos sociais que impõe o valor da fêmea como bela e nova, interpretando o envelhecimento como uma violação física e psicológica.

O Filho do Homem

Nome da Obra: O Filho do Homem

Autor: René Magritte

Data de Realização: 1964

Técnica utilizada: Óleo sobre tela

Dimensões: 116 x 89 cm

Localização: Colecção Privada

Estilo: Surrealismo

Descrição:
Magritte pintou-o como um auto-retrato. A pintura consiste de um homem com um terno e um chapéu de coco à frente de um pequeno muro, com o mar e um céu nublado ao fundo. O rosto do homem é, em grande parte, oculto por um maçã verde pairando no ar.

Virgem com o Menino e os anjos

Nome da Obra: Virgem com o Menino e os anjos
Autor: Fillipo Lippi
Data de Realização: cerca de 1465
Técnica utilizada: Têmpera sobre madeira
Dimensões: 92 x 62 cm
Localização: Uffizi. Florença.
Estilo: Renascimento
Descrição:

Em “Virgem com o Menino e os anjos”, Fillipo Lippi apresenta a paisagem através de uma janela, sendo as personagens o centro do quadro. A disposição e o espaço ocupado pelos objectos foi uma das principais preocupações do pintor aquando da elaboração desta obra.

A Liberdade Guiando o Povo

Nome da Obra: A Liberdade Guiando o Povo
Autor: Eugène Delacroix
Data de Realização: 1830
Técnica utilizada: Óleo sobre tela
Dimensões: 260 x 325 cm
Localização: Museu do Louvre. Paris.
Estilo: Romantismo
Descrição:
“A Liberdade Guiando o Povo” é uma pintura em comemoração à Revolução de Julho de 1830, com a queda de Carlos X. Uma mulher representando a Liberdade guia o povo por cima dos corpos dos derrotados, levando a bandeira tricolor da Revolução francesa numa mão e um mosquete com baioneta na outra.
O quadro tem uma forma triangular, no topo tem a mulher e a bandeira Francesa, e que vai descendo até aos revolucionários que ergueram as primeiras barricadas na história de Paris.
Mostra a revolução nua e crua, onde os revolucionários estão sujos pelo fumo negro da pólvora cuspido pelos mosquetes, e a sua cara mostra o espanto e o terror daquilo que estão a testemunhar.
Entre eles o jovem de negro de chapéu ligeiramente inclinado um boémio que abandona os prazeres da vida para trilhar as ruas de mosquete nas mãos contra o estado opressor, um miúdo de pistolas na mão espalha a anarquia, um homem que apenas se vê o rosto com um chapéu do exercito pilha os corpos que jazem nus no chão e um homem de branco ergue a espada sem medo do confronto.

Ressurreição de Cristo

Nome da Obra: Ressurreição de Cristo
Autor: Rafael
Data de Realização: 1499-1502
Técnica utilizada: Óleo sobre madeira.
Dimensões: 52 × 44 cm
Localização: Museu de Arte de São Paulo, São Paulo
Estilo: Renascimento
Descrição:
Nesta obra, Cristo ergue-se sobre um pomposo sarcófago, adornado com golfinhos dourados. Os guardiões, imersos em uma singular mistura de cores fortes e luminosas, contorcem-se de espanto ao presenciar o fenómeno sagrado, em marcante contraste à presença calma e linear do messias ao centro da composição. Rafael utiliza o desenho e a simetria para forjar um ambiente complexo e amplamente detalhado, ao mesmo tempo em que se esforça para garantir que todos os pormenores da composição conduzam o olhar do espectador à virtuosa figura do Cristo.
O equilíbrio da obra é obtido através da geometria ideal da composição: o rectângulo central da tumba expande-se num outro, que circunscreve os quatro soldados. A animação rítmica da imagem é obtida a partir do gesto de alçar o braço – desencadeado no guardião sentado, à esquerda, até a figura do Cristo -, como se a orquestração compositora correspondesse a um único movimento. A pequena escala da obra é contrabalançada pelo acorde interno das personagens, dispostos em uma peculiar configuração espacial que parece dilatar a composição.
Esta singular habilidade no manejo estrutural da composição torna-se evidente também na análise individual das figuras que compõem a cena. O guardião da direita, em pé, retomado de um dos desenhos preparatórios conservados no museu de Oxford, descreve um gracioso rodopio ascendente. Esse efeito espacial é obtido por meio do deslocamento da perna do personagem para trás, movimento que encontra ressonância no alçar do braço oposto e na rotação da cabeça, que fixa o seu olhar no messias.

Rapariga com Brinco de Pérola

Nome da Obra: Rapariga com Brinco de Pérola
Autor: Johannes Vermeer
Data de Realização: 1665
Técnica utilizada: Óleo sobre tela
Localização: Mauritshuis. Haia (Holanda).
Estilo: Barroco
Descrição:
É interessante constatar como o grande pintor Johannes Vermeer utilizava, com raríssimas excepções, o mesmo cenário em todos os seus quadros: o estúdio, a janela do mesmo, fazem parte integrante da maioria das suas pinturas.
Curiosamente, num dos mais famosos quadros de Ian Vermeer, precisamente o "Rapariga com Brinco de Pérola", o pintor opta por ocultar dos olhares de quem observa a pintura o cenário mais habitual dos seus quadros, escolhendo, alternativamente, um fundo negro, do qual a figura sobressai em toda a sua plenitude. Quem era aquela rapariga? O célebre pintor holandês retratou uma rapariga de turbante e brinco de pérola. O famoso quadro tem sido, frequentemente, designado como a "Mona Lisa holandesa" e é considerado por muitos especialistas em arte como a obra-prima do pintor.

Impressão, nascer do sol

Nome da Obra: Impression, soleil levant

Autor: Claude Monet

Data de Realização: 1872

Técnica utilizada: Óleo sobre tela

Dimensões: 43 x 63 cm

Localização: Museu Marmottan. Paris.

Estilo: Impressionismo

Descrição:

Impression, soleil levant, traduzido para português Impressão, nascer do sol, é a mais célebre e importante obra de Monet. Representa o nascer do Sol no porto de Havre, com uma cerrada névoa sobre o estaleiro, os barcos e as chaminés no fundo da composição.
No quadro, antes de tudo, consegue imaginar-se fielmente uma grelha por detrás da pintura, que Monet terá utilizado, sobre a qual, solidamente, são sobrepostas pinceladas de tinta sem grandes misturas, ou seja, as tintas originais. A sobreposição de cores originais, cruas, sem misturas, é uma grande característica da técnica impressionista, continuada a partir do momento em que os espectadores e os artistas se deram conta de que conseguiam obter resultados mais próximos da realidade.